Arcade Fire (2007) - Neon bible

A la saca!

Silvio Rodríguez (2003) - Cita con Angeles

A la saca!

Jorge Drexler - Amar la trama

Precioso disco de Jorge Drexler. La crítica de Cesarp, en www.musicopolis.com, lo dice todo:
"Drexler vuelve con un disco sincero grabado en cinco días, con nueve músicos y 20 personas de público.

Desde su personal estilo, el uruguayo le dedica un disco a su ciudad de residencia, Madrid, y al presente, esa trama que es y no al futuro incierto.

Trece canciones en directo que no suenan a directo. Una espléndida grabación que podemos resumir canción a canción de la siguiente manera:

Un disco ‘lejos del ordenador’ que arranca con un tema optimista, demoledor y con título rotundo: ‘Tres Mil Millones de Latidos’. El número medio de latidos que da un corazón humano. Una canción con una de las sentencias más recurrentes en el imaginario del cantante y compositor, el ser de todas partes, el estar de paso.

‘La trama y el desenlace’ es la primera canción de las más de 200 con las que cuenta ya su repertorio (muchas de ellas para otros músicos) en la que aparece Madrid.

‘Las Transeuntes’, canción dedicada a Kiko Veneno, habla de esa fauna que reaparece con la primavera, las parejas de escotes. El ritmo juguetón de la guitarra de Juan Carmona de los Ketama marca esta canción optimista.

‘La Nieve en la Bola de Nieve’ es una canción pausada, intimista, con letras reflexivas.

‘Mundo Avisal’ es una de esas historias narradas que tiene de protagonistas a dos escafandristas que recorren en su habitación las profundidades submarinas. Su ritmo rápido, con una sección de vientos muy presentes y con un juego instrumental rico y arriesgado que la convierte en una de las apuestas más preciosistas del disco.

‘Toque de Queda’, es una canción hecha para y con Leonor Watling. La pareja de Drexler canta en castellano y con mucha chulería esta canción compuesta con la mirada puesta en la actriz y cantante de Marlango, y los oídos atentos a un disco de Tom Waits. Instrumentos que vibran ante la decisión de la voz de ambos. Un traje hecho a medida muy resultón.

Ana Belén y Víctor Manuel, dos importantes músicos de nuestro país que fueron de los primeros en encargarle canciones al uruguayo tienen su dedicatoria en ‘Una Canción Me Trajo Hasta Aquí’. Una canción alegre que repasa de forma velada su época más inocente en la música.

‘Aquiles por su Talón es Aquiles’ es un tema reflexivo, de ritmo pausado y con sentencias como ‘uno no elige de quien se enamora’.

‘I Don´t Worry About a Thing’ es el único tema que no está en castellano de un artita al que le gusta incluir todos los idiomas posibles en sus grabaciones.

‘Noctiluca’ es una especie de nana. Un cuento para su hijo Luca, de guitarra sencilla, desvestida de cualquier artificio.

‘Todos a sus Puestos’ está entre las mejores canciones del disco, con una de las letras más acertadas de Drexler con detalles como ‘los días raros son muchos y los días buenos raros’. Una trompeta sorda, y un ritmo burlón son la cama de esta canción de letras de seria ironía. ‘Melancolía manda, con su pluma minuciosa deshace afanosa lo que uno anda’…’y aunque no haya una razón, todos a sus puestos’.

La despedida es ‘Telón’. Una de esas canciones compuestas para despedirse, la única con una grabación más descuidada y casera.

Amar la Trama es un disco para disfrutar en cada una de sus dosis, que además viene acompañado por un DVD en el que se puede observar la curiosa grabación del disco, con los músicos dispuestos en círculo y en los que se puede comprobar que esta vez Drexler viene sin trampa ni cartón."

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Jeff Buckley - Grace

"Grace" es el único disco editado por Jeff Buckley. Fué publicado en 1994. Adjunto la estupenda crítica de Juanjo Talavantes en www.javierortiz.net.

"Un compañero de trabajo me dijo un día que Grace era uno de los mejores discos de los años 90. Desconfié entonces. Y no era una cuestión de elitismo barato; he caído a menudo en la tentación de probar fortuna musical en la tierra de esos listados que dicen, recomiendan o señalan cuáles son las canciones o discos de éxito. Alguna sorpresa maravillosa hubo, aunque escasas, pero así llegué a esta colosal obra de Jeff Buckley, músico inmortal pese a haberse dejado la vida en aguas de un maldito río de Memphis cuando tenía por delante la vía láctea en forma de pentagramas y retos musicales. No llegó a cumplir los 31. Algunos osaron a decir que se había suicidado. Estupideces. Quienes mejor le conocían saben que sólo una desgracia pudo terminar con una de las voces y mentes más prometedoras que deambulaban por las tierras de Elvis.

En Grace, que vio la luz el 23 de agosto de 1994, queda expuesto el talento que supuraba aquel joven músico que había saboreado los ritmos del reggae antes de ponerse a descubrir nuevos sonidos en el rock. Era hijo de Tim Buckley, cantante ecléctico de cierto éxito en las décadas de los 60 y los 70 que falleció antes de llegar a la treintena a causa de las drogas, y Mary Guibert. . Estudió música en Los Angeles. En 1990 se trasladó a Nueva York y allí hizo su debut en público. En Manhattan conoció a Gary Lucas, un guitarrista con el que firmaría dos (Mojo Pin y Grace) de los temas del disco, el único de estudio y completo que llegó a publicarse. Cuando Grace irrumpió en el mercado nadie pareció valorar el trabajo de Buckley. Paradójicamente, el tema Last Goodbye fue el único que sonó en emisoras de radio más o menos comerciales, como una especie de premonición. Años más tarde, fue incluida en las BSO de Vanilla Sky, un engendro cinematográfico protagonizado por Tom Cruise. Pero, de repente, pareció que las críticas de las publicaciones más prestigiosas y los comentarios de grandes músicos como Bob Dylan, Jimmy Page y Paul McCartney alabando el disco, abrían los ojos a miles de aficionados a la música. Grace se convirtió en un hallazgo increíble, en un referente, en una joya que cuidar, en un disco habitual en los ránkings de mejores discos, no ya de los 90, sino de la historia del rock. Pero si hay una canción en ese álbum que se haya ganado los mayores elogios ésa ha sido Hallelujah, una versión del clásico de Leonard Cohen. Es una canción enigmática, repleta de tintes bíblicos y metafóricos (o sea, doblemente metafóricos). La voz de Jeff Buckley acaricia cada sílaba, cada nota, es capaz de contagiar la sensibilidad y el pudor con el que interpreta de manera magistral esa palabra hebrea. No sé si se podrá cantar con el corazón, pero si fuera posible, Jeff Buckley sería un maestro en tal arte, y Hallelujah un verdadero paradigma. Aquel compañero de trabajo se había quedado corto. Y por su puñetera culpa, cada dos por tres se me agolpan las lágrimas en mis mejillas, emprendiendo locas carreras por perderse en el abismo mientras suena ese Hallelujah tristón, tenue, como la llama de una vela que amenaza con apagarse pero siempre sobrevive a las corrientes. Quizá una corriente fuera lo que motivara la muerte de Jeff en aquel Río Lobo, lobo traicionero, pero su música y su voz permanecen en cada llama, y en cada una de las lágrimas que se agolpan en mis mejillas."
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Little miss Sunshine - BSO

Aqui dejo una crítica bastante extensa de Pablo Nieto, publicada en www.scoremagacine.com. Debe ser muy buena, porque no entiendo la mitad de lo que dice!
"“Little Miss Sunshine” es una agradable road movie que nos presenta a una excéntrica familia, que decide echarse a la carretera para llevar a su hija pequeña a un concurso de talentosque tiene lugar en California (concurso que da nombre al film). Padre, Madre, hermano obsesionado con Nietzche, tío suicida, abuela pasota y la niña. Todo ello dirigido por el matrimonio formado por Jonathan Dayton y Valerie Faris, y protagonizado por Greg Kinner, Toni Collette y Alan Arkin entre otros.

Al frente de la música otro outsider de la música cinematográfica, el canadiense Mychael Danna. Un compositor que suele sentirse muy a gusto trabajando para este tipo de películas, y sino no hay más que echar una ojeada a sus colaboraciones con Atom Egoyan o Bennett Miller.

Para ”Little Miss Sunshine” opta por esa fusión global que tan buen resultado le ha dado siempre. Con una estética folk, muy apropiada para este tipo de historias humanas y localistas, su música encuentra el equilibrio con un buen número de canciones de Devotchka, banda de Colorado que aporta el toque hippie y sensible a la banda sonora. Ambos trabajan muy estrechamente en score y canciones, tanto en sonoridades como en desarrollo dramático de la música.

La edición discográfica no es todo lo generosa que debiera con el score de Danna (apenas quince minutos de su obra), pero suficiente para encontrar un soporte analítico a este viaje hacia ansiada redención.

Con cierto aire minimalista, e introduciendo un timbre muy característico a través de acordeón, tuba, guitarra, cello, theremin y piano, sin olvidar una omnipresente base rítmica que asegura la sensación de dinamismo que pide a gritos el film (en ocasiones demasiado estático), Danna acierta de pleno con esta propuesta.

El álbum arranca con “The Winner Is”, una colorida melodía que en cierto modo parece recuperar la estética Tiersen de “Amelie”. Un tema que sin ser un leit motiv (de hecho no hay temas específicos en esta partitura) sirve de base a la canción final de Devotchka. Tomamos nota de cara a los Oscar.

“First Push” es una breve pero intensa pieza, donde guitarras, silbidos, acordeón y solo final de cello, se encargan de poner la nota colorista a la música, con un acentuado sentido del ritmo.

Mucho más íntimo es “Let´s Go”. Excelente híbrido a medio camino entre el waltz acordeónico delerueiano, el sonido mariachis de la frontera mexicana, y la elegía cellística. Todo ello con una sostenida base percusiva de jazz, terminando con cierto apunte a “The Winner Is”, aunque más en sonoridad que en melodía y cuerpo.

“No Ones Left Behind” es una breve composición folk rock con protagonismo de la guitarra y la trompeta, que también es tomada como modelo por Devotchka para la canción “Till the End of Time”.

“We are Gonna Make It” atrae de nuevo el acordeón de Tiersen, y repitiendo la melodía del corte anterior. Por supuesto no falta la obsesiva y minimalista base rítmica y la trompeta mariachi. Un corte en continua evolución y crescendo emocional.

“Do You Think There is a Heaven?” es la última porción editada de Danna. Una pieza contenida y de aire compungido, con cierta prominencia de las cuerdas.

A destacar una vez más la excelente labor de Devotchka, en especial a través de su líder Nick Urata (quien además de poner la voz, toca el theremin, la guitarra, el bouzouki, el piano y la trompeta en el score de Danna). Su aportación a la banda sonora se completa con la estimable balada country “You Love Me”, y la improvisada versión del clásico mariachi “La Llorona”.

Otra aportación a tener en cuenta es la del cantante Sufjan Stevens, quien aporta dos de sus clásicos “No Mans Land” y en especial “Chicago”. Auténtico himno del film (clave a la hora de la promoción del mismo en un acertadísimo trailer).

Por supuesto, no olvidemos el remix del mítico “Superfreak” de Rick James, con obvias referencias al gran MC Hammer, y otro clásico de los ochenta en este caso el “Catwalkin” de Tony Tisdale.

Aunque al aficionado, este tipo de híbridos no suelen convencerle en demasía, sobretodo cuando el score de Danna es tan interesante, la banda sonora de “Little Miss Sunshine” es un producto compacto y coherente que ayuda a la presentación dramática de la historia y a su posterior desarrollo. Merece la pena arriesgarse."

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Erik Satie - Gnosiennes et Gymnopédies

En este disco se incluyen 3 Gymnopédies y 7 Gnossiennes, todas muy populares. La imagen es un retrato del autor que he encontrado rebuscando por internet. Seguramente no es acertado clasificar su música como "clásica", pero me declaro inútil para definirla! Si alguien puede iluminarme a este respecto le estaré muy agradecido.

Incluyo el resumen de la Wikipedia sobre Eric Satie, me ha parecido muy interesante y ameno.
"Erik Satie, nacido como Alfred Eric Leslie Satie (Honfleur (Calvados), 17 de mayo de 1866 - París, 1 de julio de 1925), fue un compositor y pianista francés. De estilo inclasificable y avanzado a su tiempo, anticipó el serialismo y el minimalismo y preconizó la ruptura formal y tonal de la música contemporánea. Denostado por la academia y admirado por otros compositores de su época, de formación irregular, ingresó inesperadamente en el conservatorio a los 40 años, para sorpresa de quienes le conocían, tras haberse dedicado, entre otras muchas cosas, a la música de cabaret.

Tras haber convivido con las vanguardias de su época, su obra resulta aún hoy tan extravagante como su vida. De conductas transgresoras, de caracter insoportable e intransigente, con ideas disparatadas y ocurrencias en ocasiones irritantes e incluso paranoicas, se presentaba a sí mismo como «gimnopedista» (antes incluso de escribir su más famosa composición, las Gimnopedias) y como «fonometrógrafo» (alguien que mide y escribe los sonidos), prefiriendo definirse así que como «músico». Llegó a aparecer en 1924 en una película de René Clair llamada Entreacto.

Titulaba sus obras de manera delirante (Tres fragmentos en forma de pera, Españaña, Vejaciones) y las anotaciones de sus partituras resultaban en ocasiones grotescas (en su Danse cuiraseé se puede leer: Paso noble y militar. Se baila en dos filas. La primera no se mueve. La segunda fila se queda quieta. Los bailarines reciben un sablazo que les divide en dos la cabeza). Inventó la música de mobiliario, aquella compuesta específicamente para no ser escuchada, anticipando así la música ambiental de los espacios públicos, y militó en confesiones religiosas de las que era el único miembro. Basó su obra en el humor y la ironía. Sólo a su muerte, tras entrar en su apartamento, sus amigos se dieron cuenta de la miseria en la que vivía, miseria a la que describía como «la muchacha de grandes ojos verdes»

Modificó su nombre como Erik Satie desde su primera composición, en 1884. Aunque en su vida posterior se enorgullecía de publicar su trabajo bajo su propio nombre, parece que hubo un corto período al final de la década de 1880 en que publicó su trabajo con el seudónimo Virginie Lebeau."

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Radio Futura - El directo de Radio Futura

Este disco acompañó muchas horas de mi infancia, ya que tuve la suerte de que mi padre lo tuviera en su estanteria.


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Nina Simone - My baby just cares for me

No me resisto a colgar el delicioso videoclip del gato de plastilina enamorado.

Kitty, Daisy and Lewis - Kitty, Daisy and Lewis

Incluyo el comentario que he encontado en www.jenesaispop.com:
Los hermanos Durham son de Londres, tienen entre 15 y 20 años y se dedican a mezclar canciones que les cantaba su padre de pequeños (cuando eran más pequeños) con repertorio propio. La cantante y batería Daisy tiene 20 años, el chico y guitarrista Lewis 18 y la cantante Kitty es la que tiene 15.

Kitty Daisy & Lewis están tan obsesionados por la música y la estética de los años 40 que por momentos parecen un grupo de aquella misma época. Hasta el punto de que utilizan técnicas análogicas y una edición de su disco contiene 5 vinilos de 10 pulgadas y va a 78 rpm, como los de la época. Sus canciones son deliciosas y la única duda en torno a ellos es si algún día habría que poner fin a los revivalismos porque ya va quedando poca cosa sin reivindicar. ¿O los disfrutamos sin más?
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Ismaël Lô - Jammu Africa

Las dos primeras estrofas de la canción están escritas en wolof y la última en pulaar, dos dialectos hablados en Senegal. La traducción verdaderamente merece la pena.

África, África, mi África
En mi sueño ruego a Dios para que esto se realice antes de mi muerte
Digo -un día vendrá donde África será unida.
De aquí o de otra parte somos los niños de África.
Así mismo si el cielo cae luchemos por la paz
Pues yo pido la paz en África
con la paz en África esto será la prosperidad
Extranjero, yo, Lô te ruego
qué cualquiera sean tu fortuna y tu situación, no puedes olvidar a África
aquí o en otro lugar la paz es el premio de la felicidad
pero si el cielo llora luchemos por nuestros hermanos
Pues yo pido la paz en África
porque con la paz en África crecerá la prosperidad
Ustedes los niños de África, levántense para construir nuestro país
Que donde Dios no escatima las desgracias
aporte la paz a Ruanda, a Burundi,
Y en Casamance sobre el camino de Mbignona !!

Ismaël Lô - Jammu Africa

El disco "Jammu Africa" es una recopilación de los temas más conocidos de Ismaël Lô. Aquí podéis leer una biografia, extraida de www.musicasdelmundo.org:

Este músico y pintor, nacido en Níger (1956), pasó la mayor parte de su infancia y juventud en Senegal, donde creció musicalmente escuchando mbalax y discos de Otis Redding, Wilson Pickett, o Jimi Hendrix, que encontraba en las colecciones de sus hermanos.
La carrera musical de Ismael Lo está salpicada de anécdotas, siendo la mas famosa aquella con la que se ganó el apodo de "hombre orquesta" al aparecer en televisión con una guitarra de una sola cuerda, creada con sus manos a partir de un trozo de madera y un hilo de pescar, una armónica, y su voz. Aquel joven quinceañero, al que pronto llamarían "el Bob Dylan africano", ya que había decidido que su vocación era la música.
De origen muy humilde, actuó durante casi un año en el club Coco Loco, de la Playa del Inglés (Islas Canarias), donde también le dejaban colgar los cuadros que pintaba, antes de ser considerado uno de los grandes de la música de Africa.
Ismael Lo es un artista de la ciudad y sus canciones así lo reflejan, tanto en las letras como en la música. Es un trovador contemporáneo que canta a las cosas que le rodean y los sentimientos que le provocan, generalmente en francés, wolof u otros dialectos de su tierra. Su sonido es una mezcla de ritmos tradicionales actualizados y elementos mas propios de occidente, sobre los que destaca su voz, vital, sedosa, y emocionada, especialmente cuando canta baladas que son lo mas importante de su repertorio.

Probablemente te gustará si te gusta: Youssour N'Dour, Miriam Makeba.

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David Bowie - Heathen

Incluyo esta reseña encontrada en Canaltrans.com
"De la mano de Tony Visconti, (productor del mejor Bowie) “Heathen” se presenta como el disco que hace resurgir al músico y ubicarlo nuevamente en ése lugar de privilegio que ocupa en el mundo de la música.
Se trata de un disco de canciones puras, en el que Bowie parece querer resaltar su condición de interprete vocal por sobre todas sus otras virtudes. Cada tema hace recordar a una época o a un disco suyo.

En "Slow burn" (primer corte del disco) participa el guitarrista Pete Townshend, ex The Who, con un riff que evoca a Robert Fripp en "Héroes". Excelentes coros y vientos. Podría tratarse tranquilamente de una canción de “Scary Monsters”.

Se destacan también algunos covers como: “Cactus” de Pixies, “I've Been Waiting For You” de Neil Young, aunque ya interpretada por él en algunos conciertos durante Tin Machine 91 tour, y “I Took A Trip On A Gemini Spacecraft” de Norman Carl Odam."

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Songs: Ohia - The Lioness

A veces uno siente una gratitud enorme hacia un extraño, que ni siquiera sabe de tu existencia. Eso es lo que me pasa con Jason Molina y su maravillosa cancion "Being in love", que ultimamente me acompaña todos los dias al menos una vez.

Incluyo parte del estupendo comentario que hace Sulo Resmes en su blog "Tres Cagallons Baix d un piano":
"Que Jason Molina es uno de mis artistas favoritos ya lo sabréis quienes sois asiduos a esta humilde bitácora, y si no, pues no me duelen prendas en proclamarlo por enésima vez: admiro profundamente a este cantautor norteamericano nacido en Ohio e hijo de emigrantes españoles, con una sólida trayectoria musical carente de altibajos. [...]
Bien, todo este rollo es para reivindicar, si es que hay algo que reivindicar, el fantástico quinto álbum de Songs:Ohia, titulado “The Lioness”. Publicado originalmente en el año 2000, se compone de un conjunto homogéneo de canciones lentas y oscuras, en las que impera una profunda sensación de tristeza… pero bendita tristeza. Desconozco los motivos que llevaron a Molina a componer estos nueve cortes, marchando hasta Glasgow donde se grabaría "The Lioness", pero le estoy profundamente agradecido por compartir esas emociones con todos nosotros. Es más, me considero en deuda con quienes le llevasen hasta ese estado depresivo. Alguien dijo alguna vez que las mejores composiciones surgen de la pena y la tristeza, este disco es buena muestra de ello."

Probablemente te gustará si te gusta: Jeff Buckley, Mark Knopfler.

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Charlie Winston - Hobo

Dejo la critica de Jean-Charles Didiot, en www.rocknfrance.com.
A ver si un dia me armo de valor y diccionarios y la traduzco.
"Une plongée fascinante au cœur de la Cornouaille et de ses trésors nous attend en ce début d'année 2009 ! Charlie Winston, le virtuose de la soul, baroudeur musical invétéré, passionné des notes et des sons, se veut le phénomène du moment ! « Hobo », premier album du cru, se forge comme un classique … Romantique à souhait lorsqu'il s'agit de déclarer sa flamme sur un titre comme « Soundtrack to falling in love », l’artiste se mue en humaniste lorsqu'il évoque la philosophie idéaliste et anti-matérialiste sur « Like a hobo », pour finir mélodiste et séducteur sur le groovissime et international « Tongue tied » ! Sur fond de musique soul et blues à la fois, Charlie Winston surprend par la dualité qui le caractérise, entre gravité et mélodicité intraitable, un titre comme « In your hand » est l’un des summums du moment … Tout simplement …"

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P. J. Harvey - White chalk

A continuación tenéis la crítica de PRobertoJ, de www.hipersonica.com

"Mi relación con PJ Harvey (la discográfica, claro, que la otra es inexistente) necesitaba un disco así. Desde hace ya mucho, había perdido casi todo el interés por alguien que durante un tiempo fue una de mis artistas favoritas. Uno de mis iconos rock.

“Se nos rompió el amor de tanto usarlo”, que dice la canción. La rutina, el sonido continuista de sus discos y la llegada de nuevas sensaciones habían mitigado mi interés por PJ. Tanto que White Chalk llevaba en mi casa unos cuantos días sin que le hiciese caso. Me esperaba otro Uh, Uh Her, otro disco que, sin ser malo, no me daría ni sorpresa ni emoción.

Pero, claro, hay artistas a los que nunca puedes darles la espalda, porque te apuñalan a la que te despistas. Y eso es White Chalk, una puñalada en toda regla, una bofetada en la cara por haberle sido infiel, un disco magnífico e inesperado que hace aún más valiosa a PJ Harvey.

Cuando yo pensaba que sólo sabía ir a piñón fijo, PJ se olvida del rock y de las guitarras, se sienta al piano y hace pop de cámara con una maestría y una capacidad de conmoción como sólo Lisa Germano ha conseguido. Sin embargo, al contrario de la Germano, PJ es dulce y sus canciones lo son aún más. La titular es una gozada, susurrada y con armónica.

Algunos no han entendido nada y prefieren verlo como un experimento que ha salido mal. Pero no es así. PJ Harvey no sólo tenía el derecho a cambiar su música, sino también la obligación. Y puestos a reinventarse, ¿qué mejor manera de hacerlo que casi negarse en todo lo anterior, incluso en su forma de cantar?

The Devil, el inicio del disco, pone sobre aviso. PJ Harvey en falsete y más atmosférica que terrenal. Broken Harp demuestra por qué hay que confiar más en ella que en Björk. Silence deja claro que cuando un artista rock se sienta al piano, no siempre tiene que tender al dramatismo exaltado y de corazón roto, aunque puede llegar a él sin sonar ridículo o tópico. De hecho, debería encantar a los fans de Thom Yorke.

Y, en general, todo White Chalk esquiva el ambiente fúnebre que uno esperaría de una ventura así para acabar sonando a una dulce desolación. Sí, puede que sea un disco para momentos muy especiales, y que algunas canciones (como Talk To You) flaqueen, pero ¡qué ganas tenía de que PJ Harvey volviese a sorprenderme (y qué poco me he acordado de ella)! White Chalk ha conseguido que me entren ganas de escuchar todos sus discos otra vez."

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La Cabra Mecánica - Hotel Lichis

Aqui va la crítica de Ramiro Calvo, publicado en www.fandigital.es

"Hacía dos años que Miguel Ángel Hernando, más conocido como Lichis, no proporcionaba a sus seguidores una nueva ración de músicas y letras marca de la casa. Fue en el 2003 cuando, capitaneando una alineación de lujo, resumió su carrera con el directo "Ni jaulas, ni peceras". En aquel momento, la irrupción publicitaria de "No me llames iluso" truncó el destino de un magnífico lanzamiento y, al mismo tiempo, convirtió a Lichis en una caricatura de sí mismo. Pero supo reaccionar a tiempo y, tras un cambio de piel, estado civil y domicilio, regresa al mundo de la música convertido en Juan Palomo.

En las trece habitaciones de "Hotel Lichis", su director se encarga de la composición, así como de cantar y tocar la batería, el bajo, la guitarra, el contrabajo, los teclados y hasta las palmas. Sólo permite la visita de algunos huéspedes, como el productor Dani Alcover (Dover, Yuri Méndez, La Vacazul, Super Skunk), Pepo López, Daniel Txarras (La Vacazul), Rodrigo Llamazares (ZIA), Raúl Patiño, Guille (El Combo Linga), Eva Durán o Cuco Pérez, entre otros.

Los primeros minutos en la nueva residencia de Lichis discurren con aire latino. La crítica al racismo supuestamente inconsciente de "¡Ay! poetas" ahonda en el mestizaje a ritmo de rumba. Más sabor cubano tiene "La uña de la rumba", sobre todo gracias al sonido del tres. "Gracias por nada" rompe la dinámica folclórica, pues se trata de una composición de pop-rock arropada en un órgano Hammond y un curioso arreglo de castañuelas. Los mismos sonidos de corte británico presiden "Como Penélope en la estación del AVE" y "Antihéroe".

La rumba catalana inspira "El malo de la película", single de presentación del disco y muestra clara de que la industria discográfica no está dispuesta a asumir riesgos. Con el dinero no se juega y apostar por temas como el canalla y circense "Pinocho" o el rockero "Siesta" podría significar el hundimiento de un negocio tan lucrativo. Por suerte, no todas las canciones de Lichis tienen que sonar en la radio comercial, aunque un reggae como "El mundo ya no necesita otra canción de amor" se lo merece."

A la saca!

B.S.O. Enemigos Públicos (2009)

No he encontrado más que una breve reseña en inglés:

"The soundtrack album to PUBLIC ENEMIES, Michael Mann's film about the rise and fall of Depression-era bank robber John Dillinger, boasts a subdued, darkly-hued score by composer Elliott Goldenthal, suplemented by some original recordings from the '30s, including three songs by Billie Holiday and the eerie slide guitar instrumental "Dark Was The Night," performed by the great gospel bluesman Blind Willie Johnson. In addition there are two hard times blues by contemporary artist Otis Taylor and a plush new recording of "Bye Bye Blackbird" featuring vocalist Diana Krall. All in all, it's an effective musical panorama of an era characterized by raw contrasts of wealth and poverty."
A la saca!

Bigott - Fin

Incluyo la crítica de The Wild Child, en www.revistadiscobolo.com

Permítanme que empiece esta reseña por el final y trate de encontrar ese adjetivo que resuma lo que supone para mí el descubrimiento de este grupo de encantadores automarginados; que se sepa desde el principio: ¿desconcertante?, ¿inaudito?, ¿paranormal? La suma de todos y ninguno, podría decirse, porque este Bigott es lo más extraño y fascinante que he escuchado en mucho tiempo, tanto que incluso mientras tecleo no sé cómo voy a arreglármelas para describirlo. Acaso lo mejor sea, bien pensado, renunciar al recurrido listado de referentes o influencias más o menos inexactos porque, si ya con otros el intento puede resultar bastante arduo y confuso, con Borja Laudo -el barbudo semejante a un Gran Lebowski en Bora Bora que se esconde tras el nombre de Bigott- puede adquirir matices de kamikaze borracho. Además, no hay que dar pistas. Si no lo conocen, el hallazgo debe parecer casual y tendrá mucho más efecto, como quien da un paseo dominical por el extrarradio y se encuentra de pronto con un ovni junto a un lago y un divertido grupo de marcianos de colores tomando el sol en colchonetas de plástico.

El señor Laudo es maño, de Zaragoza para más señas, pero canta en inglés, “porque así no entiendo las tontadas que digo”, comenta con sorna, porque cómo no las va a entender. De hecho las letras son uno de los puntos fuertes de sus discos –ya lleva tres, a cuál más original: That sentimental sandwich y What a lovely day today-, de los que destaca su sentido del humor, el despliegue imaginativo para titular las canciones (”Kinky merengue”, “Afrodita carambolo”, “She is my man”, por poner unos ejemplos), y, cómo decirlo, la sana humildad de quien compone para divertirse, para pasarlo bien, y no para lloriquear con impostada melancolía los sinsabores de la vida diaria, o para reivindicar los derechos de una comunidad supuestamente aplastada por el Estado. Laudo es un rara avis en el mundo de la música, una especie que habría que proteger o reproducir en cautividad. Huye de las obligaciones promocionales, sueña con poder comprarse una casa en el mar y no espera nada de la música, como él mismo reconoce: “No busco nada, ni en la música ni en ninguna otra parte. Lo que hago no sirve para nada en particular, lo hago porque me siento bien haciéndolo. Si además se sacan unas perricas, mejor que mejor. El dinero también me sienta bien”. Su día a día consiste en “dar paseos, ver películas, churrar, amar, tomar el sol en la Plaza del Pilar, cocinar para mi amor, y cuando me queda tiempo en medio de todo este estrés, saco la guitarra un rato”. Precisamente a su amor le dedica una de las mejores canciones del disco, para mi gusto, ésa en que la voz profunda y grave de Borja suena más frágil que nunca, “Oh Clarin”, pero es que, claro, quién no ha sentido flojear sus miembros mientras intentaba consolar a su pareja bajo la aparentada seguridad en sí mismo.

A la saca!

Manel - En la que el Bernat se´t troba

"En la que el Bernat se´t troba" es mi canción favorita del disco de Manel "Els millors professors europeus"



No me resisto a poner aqui la letra:
"I ahir a la nit vam conèixer tres dones altes i elegants i
amb una em vaig posar d’acord, vam conversar i vam riure i vam fer l’amor.
I m’ha parlat del seu país i de les coses que fa aquí
Amb un castellà força estrany, i sorprenentment florit.
Quin nas més gros que tens, m’ha dit, la dona alta des del llit
i a la paret ha assenyalat un quadre verd que la nena havia pintat.
I què bonic, què bonic, què bonic m’he dit.
Quina nena més dolça devia ser, quin plaer haver pogut conèixer-la fa molt de temps.
Si tanques els dos ulls, m’ha dit, si et quedes quiet a dins del llit, t’ensenyaré una cançó que a casa em cantaven per anar a dormir.
Parla d’un gos i un senyor que hi viu aïllat entre elms i flors i es protegeix dels mals humans amb un exèrcit d’animals.
I què bonic, què bonic, què bonic, m’he dit.
I quina veu més fina que té, quin plaer haver-la pogut conèixer-la fa molt de temps.
En bernat m’ha dit que t’ha vist per Barcelona
Que t’acompanyava un home molt alt
Que li has preguntat si encara ens freqüentàvem
I que m’envies molts records"

Manel - Els millors professors europeus

Incluyo la crítica de Antonio M. Fraga en www.retromusica.com

"Me acerqué a Manel una tarde fría y lluviosa, situada a años luz de los universos mediterráneos que su música evoca. Lo hice con temor a una gran decepción después de la polvareda de alabanzas que levantó Els Millors Professors Europeus, álbum debut de esta banda barcelonesa.
Guillén Gisbert, Martí Maymó, Roger Padilla y Arnau Vallvé forman este combo localizado a medio camino entre el folk y el pop, oscilando como un pino en el viento y acercando su copa a uno u otro estilo según sea más oportuno.
A pesar de ser su primera experiencia en la larga duración el resultado no puede ser más compacto; nada sobra y nada se echa de menos. Els Millors Professors Europeus (Discmendi, 2008) es un collage de doce piezas exhaladoras de luminosidad y nostalgia a partes iguales, cosidas al lienzo por unas letras trabajadísimas y teñidas de mil colores por una instrumentación que deja las puertas abiertas a ukeleles, banjos, clarinetes, trompetas, trombones, violines y prácticamente a todo aquel que quiera sumarse a la fiesta.
No es fácil señalar las gemas más brillantes de este escaparate de joyería del Passeig de Gracia; aun así no puedo dejar de nombrar el optimismo contagioso que surge en mí con En la que el Bernat se’t Troba, la preciosa (y vergonzosa) declaración de amor que es Ceramiques Guzmán, los coros de la vitalista Pla Quinquenal o los tonos de atardecer mediterráneo recogidos en la costumbrista Al Mar.
Poco a poco fueron desapareciendo ese temor a la decepción a medida que me acercaba a la música de Manel, de tal manera que cuando terminé la escucha del disco me levanté del sofá para proferir un sonoro y sentido aplauso. Mi gata flipó, os lo juro."

A la saca!